Hildegarde : le temps tout entier

Près de mille ans ont passé en ce monde et tout ce que Hildegarde de Bingen a accompli nous est devenu opaque, mystérieux et captivant.

Cette femme désormais sainte ne se présente plus à nous que sous des masques successifs : la religieuse, la botaniste, la visionnaire, la musicienne. Autant de reflets mouvants dont on peine à cerner les contours. Hildegarde a pourtant été une personne réelle, de chair et d’os, de souffle et de liens. On connaît ses dates de naissance et de mort, des écrits témoignent de ce qu’elle a vécu, et l’on peut aujourd’hui encore manipuler des pages que ses doigts à elle ont touchées. Mais Hildegarde est aussi un personnage de fiction, une créature-créatrice que nous investissons, siècle après siècle, de nos désirs et de nos projections.

L’oeuvre de l’abbesse a la beauté désarmante du mystère, un mystère d’autant plus profond qu’on ignore s’il est le fruit de notre méconnaissance ou du seul génie de son autrice. Les traces qu’elle nous a laissées ne peuvent être abordées qu’avec humilité : si la science historique permet d’en éclairer les franges, la confrontation à son travail ne se produit jamais que dans l’obscurité d’une emprise directe et sans filtre.

Plusieurs années durant, Marie-Pierre Brébant et François Chaignaud ont déchiffré les deux manuscrits du douzième siècle qui contiennent l’intégralité de l’oeuvre musicale attribuée à Hildegarde. Fascinés par cette archive homogène, ils l’ont considérée pour ce qu’elle est : une longue partition, qu’ils ont suivie pas à pas, comme on suit un chemin de randonnée que l’on découvre. C’est pour la lire qu’ils ont appris à déchiffrer sa notation hybride, qui mêle portées modernes et neumes.¹

Sa pratique, l’exploration progressive et incessante de sa modalité, de ses ornements et de ses mélismes², les ont imprégnés des mondes que ces partitions consignent : un monde rural baigné de sons et de chants, un monde magique parcouru de ponts orphiques et empli de parfum cosmique, un monde monastique fait de règles, de renoncement et d’ambitions. 

Hildegarde couche par écrit la Symphonia dans les années 1150. Elle a cinquante ans et ses visions viennent d’être reconnues véritables par le Pape Eugène III, qui lui a donné mission de les compiler en un livre. Elle quitte la communauté de l’abbé Cunon pour fonder un couvent de femmes seules sur une colline près de Bingen. En même temps que les travaux de construction du nouveau monastère et de rédaction du Scivias, elle s’engage dans la création d’une langue imaginaire, la composition d’un drame musical et de longues correspondances. Elle recueille également les hymnes et séquences créées pour les offices. Eugène III lui a enjoint d’écrire et Hildegarde obtempère avec hâte, débordant du cadre strict de son don de visionnaire.

C’est une femme au faîte de sa puissance qui choisit de faire passer à la postérité des chants liturgiques, consacrant à sa musique un soin égal à celui apporté aux hagiographies et aux révélations, nous offrant à nous, si loin que nous soyons  descendus sur le fleuve du temps, de réentendre aujourd’hui des mots et des mélodies jadis articulées par des corps dont nous ne conservons rien, pas même le souvenir. 

Si l’intention de Hildegarde nous est devenue obscure, l’oeuvre est parvenue intacte. Ce que cette musique dit par sa poésie, sa tension et sa forme nous parle encore et surtout interroge notre présent, nos habitudes : il suffit d’écouter. Ces signes proviennent d’un monde clos et organisé, un monde dont la complexité ne repose pas sur l’ignorance humaine, mais sur l’ineffabilité divine. L’homme n’a pas encore pour mission d’élucider les causes premières, son effort de compréhension porte uniquement sur les rapports entre mondes physique, imaginaire et spirituel. Le pouvoir de transformer demeure entre les seules mains des puissances célestes : la création, même artistique, est une prérogative du Créateur.

Ainsi, la Symphonia ne change pas le monde, mais le dit. C’est un prolongement de ce qui est, la trace active de la participation des soeurs de Bingen à la beauté de l’univers. L’oeuvre n’a d’autre vocation que d’être juste, c’est-à-dire être belle à l’instant où elle est produite. Elle est l’exact inverse de la distraction : ne pas abstraire les auditeurs du réel, mais les faire au contraire participer intensément à l’ordre harmonieux des choses.

Ces musiques inouïes ignorent les temporalités artificiellement découpées. Elles ne suivent pas le temps linéaire de la péripétie et du progrès mais celui, circulaire, du souvenir ou de l’abandon de soi. Leur mesure se cale sur la pensée humaine, le rythme cardiaque, l’humeur présente ou la chaleur d’un feu. Leurs progressions mélodiques imitent les harmonies naturelles, suivent la trajectoire des sons émis sous les voûtes romanes, dans un effet de concordance balsamique. Mises bout à bout, les dizaines de pièces qui forment la Symphonia se fondent en une ondulation unique et crépitante – c’est une flamme, un coeur, un exercice de pur présent.

ll y a des aubes, des pleins midis et des crépuscules, des hivers nets et de longues soirées d’été, des échos des montagnes et des berceuses célestes. Les cordes de la bandura de Marie-Pierre Brébant brillent. L’instrument ukrainien, mêlant le luth et la harpe, s’accorde en tempérament pythagoricien³. Né en Turquie, sans doute, modelé par les Italiens, adopté par les Kosak, il ne semblait pas destiné à rencontrer la musique de Hildegarde. Il en devient pourtant l’allié, en inventant une nouvelle voix à ces partitions. À la fois cithare de David et lyre angélique, il mêle la douceur édénique à la tension de ses cordes de métal : le Ciel, la Terre.

Les ombres nettes soulignent les muscles de François Chaignaud. On voit le souffle l’emplir, le tendre, s’échapper et revenir, on voit le chant surgir de la chair. La monodie⁴ est un passage étroit, une trajectoire humble, dont l’harmonie a besoin, pour se déployer, de la durée. Il témoigne d’un endroit unique, se pose en un point précis, et concentre. Aussi ancienne soit la partition, c’est un exercice du présent, une façon de faire corps avec l’instant.

Les deux artistes interprètent littéralement les pièces anciennes, ordonnées par modes⁵, enchaînées sans discontinuité ni rupture, redistribuées entre la voix et les cordes. La façon dont la voix de Chaignaud et l'instrument de Brébant s’accompagnent ne cesse de se transformer. Les musiciens se suivent puis se précèdent, s'élèvent ensemble, s'arrêtent l'un après l'autre pour s'écouter, se retrouvent pour de brèves, de vibrantes fusions. Les corps chantent et jouent, jouent et vibrent comme une membrane unique, à l'interface entre ici et là-bas. Ils incarnent, pour un temps, la Symphonia: le manuscrit porté à même la peau, les mains vibrantes, les voix et cordes liées puis déliées, les corps explorant sans relâ che l ’univers, condensé dans un neume unique.

Sur le plateau, le cosmos est ce neume, cette note d’avant la portée : un pont, une estrade romane que les artistes traversent, habitent, contournent. Il est le théâtre de l’existence, avec ses exaltations et ses colères, ses espoirs et ses drames, la scène de tout ce qui était, est et sera. Les spectateurs sont invités à s’asseoir ou s’allonger autour, à écouter et regarder, à rêver, méditer, sentir et ressentir, à dormir et observer, à se laisser ravir, émouvoir et déplacer. Ils peuvent choisir de se lever et s’asseoir ailleurs, passer d’une rive à l’autre. Se confronter à la Symphonia, c’est prendre place dans une harmonie qui nous dépasse de toute part.

Léo Henry

(1) neume • « signe » en grec ancien, il désigne le principal élément de la notation musicale occidentale en usage à partir du IX^esiècle. Les neumes servent d’aide-mémoire et indiquent les mouvements dynamiques des mélodies. Leur forme est inspirée des inflexions de voix et de l’écriture des grammairiens (accents, points…) 

(2) mélisme • style d’ornementation de la mélodie chantée se développant sur une seule syllabe.

(3) tempérament pythagoricien • système particulier d’accord des instruments et des hauteurs de son de la voix, élaboré par le grec Pythagore et utilisé jusqu’à la fin du Moyen Âge. Il est fondé sur les harmonies naturelles, à la différence du tempérament égal, hégémonique aujourd’hui.

(4) monodie • musique à une seule voix, dans le sens où voix désigne une partie vocale ou instrumentale. 

(5) mode • le plus ancien système d’organisation des sons de la gamme musicale, à partir d’une note fondamentale.

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Léo Henry (°1979, Strasbourg) est un écrivain français et scénariste. Après un master de lettres modernes, Léo Henry a voyagé aux États-Unis et vécu au Brésil, présents dans son oeuvre. À partir de la fin des années 2000, Léo Henry entame une collaboration avec Jacques Mucchielli (décédé en 2011), dont naîtront quatre livres. La modernité et la musique populaire font partie de ses sujets de prédilection. En avril 2018, Léo Henry publie aux éditions indépendantes La Volte le livre Hildegarde, un roman biographique sur la figure de la religieuse, compositrice, poétesse et botaniste allemande Hildegarde de Bingen, qu’il considère dès lors comme son chef-d’oeuvre.